Check-list para grabar batería

Acepté el reto de Andrés Millán y decidí escribir sobre el apasionante tema de la grabación de la batería: El instrumento más complejo de grabar y de mezclar y el que siempre termina acaparando la mayor parte del trabajo, el sonido y el carácter en cualquier producción. Para mí la batería es fundamental. Es lo primero que oigo en la música y suele ser lo primero que grabo, ya que no sólo marca las bases rítmicas sobre las cuales todos los demás instrumentos deben acomodarse, sino que también se impone a nivel sonoro. Hay frecuencias que desde el inicio quedan reservadas para los tambores, y si hay un compresor en el máster, éste se mueve al ritmo de la batería.

Ahora bien, a la hora de la mezcla, muchas veces se encuentra uno con problemas que vienen desde la grabación. Para muchos hay solución: Beat Detective y Trigger son dos herramientas clave que pueden salvar malas grabaciones (y malos bateristas) pero la verdad es que no existen aún herramientas que remplacen o emulen el sonido natural de una batería bien interpretada y bien grabada.

Así que este es mi check-list:

1) El baterista

Por más obvio que suene, la calidad de la interpretación es lo más importante y lo más subvalorado:

+ Arreglos – ¿El beat es compatible con el bajo? ¿Con las guitarras? ¿Son necesarios todos esos fills? ¿De veras, todo el coro azotando el crash?

+ Punch – ¿Son parejos y consistentes los golpes, en especial los del redoblante? ¿Está el baterista golpeando el centro de los tambores, sacando el sonido gordo y completo del instrumento? ¿Le rebota el golpeador del bombo?

+ Relación tambores/platillos – ¿Sabe el baterista que al grabar es vital acentuar más los tambores y ser medido con los platillos? ¿Al empezar a usar compresión los platillos se salen de control?

+ ¡Ay Dios! - ¿Estamos de pelea con el click? ¿Nos aprendimos la canción? ¿Está ese fill dentro de las capacidades del baterista o está tratando de tocar algo imposible?

2) El instrumento

Lo segundo más importante. No se trata de que la batería sea la más costosa o que se hayan pedido prestados los platillos más finos. La clave es que ésta suene bien y que sea compatible con el género y con la canción.

+ Afinación – Este tema es complicado y hay muchas escuelas (algunas opuestas entre sí) pero hay algunas reglas básicas:

• Los parches nuevos suelen ser más fáciles de afinar porque aún son flexibles y pueden tener buena tensión en distintas afinaciones.
• Los parches viejos suelen sonar más latosos o acartonados.
• Los parches de doble capa pueden afinarse más bajo y tienen menos armónicos que los de una sola capa.
• Los parches corrugados son un poco más cálidos, los transparentes más brillantes.
• El Moongel es la herramienta con mejor relación costo-beneficio que puede tener un baterista y/o estudio de grabación

+ Platillos – Importantísimos, especialmente porque éstos no se van a poder remplazar en la mezcla. Aquí la clave es escogerlos muy bien, según el género musical y la forma y la fuerza con que van a ser tocados.

• Hay platillos para tocar en vivo y hay platillos para grabar. No soy ingeniero de en vivo, pero mi regla es que si suenan maravilloso en un estadio, son una pesadilla en el estudio.
• Generalmente los platillos delgados y corrugados son menos brillantes y bulliciosos. Si son muy opacos, siempre se les puede ayudar con EQ. No al revés…
• Nunca botar los platillos viejos o rotos. Si tienen algunas fisuras pueden sonar increíble. Si ya están completamente despedazados, se pueden combinar para hacer stacks o efectos interesantes.

3) El cuarto

El ambiente en el que se encuentre la batería define en una gran medida su carácter. Esto no tiene nada que ver con reverbs, ni siquiera los que emulan famosas salas de grabación.

• Todos los cuartos suenan diferente y ubicar la batería en distintos lugares y ángulos también produce resultados diferentes. Experimentar.
• Así se busque una batería roomy o seca, mientras más grande sea el cuarto, menos resonancias desagradables, o no deseadas, van a estar presentes en la grabación.
• A veces esas resonancias desagradables terminan amarrando el sonido de toda la batería y dándole un carácter único. De nuevo, experimentar.
• Si sobran canales y micrófonos, nunca está de más poner micrófonos de ambiente en sitios poco convencionales, en alguna esquina o detrás de algún gobo o panel. Distorsión y/o compresión se la llevan muy bien con esos canales.

4) Micrófonos

La selección, y sobre todo la ubicación, de los micrófonos hacen toda la diferencia entre un sonido difuso y sin impacto y uno potente, grande y definido. Yo no tengo fórmulas secretas ni técnicas extrañas:

Uso un Kick-in (casi siempre un Audix D6) apuntando entre el beater y el borde del parche, un Snare-top (no me gusta el Shure SM57, mi micrófono del momento es el Beyerdynamic M201 por su patrón polar que me ayuda a rechazar el HiHat), Snare-bottom (Audix i5 o AT4021, según la ocasión), un Audix D4 en cada Tom. Si busco Over Heads especialmente naturales uso un AEA Microphones R88 en X-Y, de resto Mojaves MA300 en A-B, midiendo la distancia entre cada uno de ellos y el centro del Snare. Los ambientes son el AEA Microphones R88 en Blumlein (si no está en los OverHeads) y/o 12 Gauge Microphones Red12 (Omni) en sitios curiosos. El ShureSM7B también es una maravilla como Front Of Kit.

Sobre su posicionamiento, el micrófono del redoblante siempre trato de apuntarlo justo al centro del parche, relativamente cerca, y lo más de frente que me lo permita el baterista. Eso me da el sonido más gordo. El Snare bottom también al centro. Los micrófonos de los toms los pongo soportados de los aros con clips de Shure, apuntando al centro, no al borde. Quiero los tonos fundamentales, no los armónicos. La distancia la ajusto si siento demasiado efecto de proximidad y procuro alejarlos de los platillos todo lo que me sea posible. Si es necesario, tengo una pequeña negociación con el baterista para que suba las bases de todos los platillos algunos centímetros y los aleje de los micrófonos de los tambores.

5) Pre-amps

Hay buenas y malas relaciones entre todos los elementos, pero después de un tiempo de conocer las herramientas, se da una buena noción de quién se va mejor con quién. En mi caso, los overheads siempre van a un par de BAE Audio 1073, porque hay algo en los agudos de ese preamp que no trataré de describir con adjetivos. El bombo siempre va a un JLM Audio Baby Animal porque tiene bajos súper musculosos y bien definidos, y a la vez un color agresivo que nunca falla. Los dos micrófonos del redoblante van a Chandler Limited Little Devils. Es una maravilla poder jugar con el feedback y bias para buscar colores diferentes.

Los Camilo Silva son perfectos en los ambientes. Siempre me han gustado los medios (en voces son increíbles) y no son abrumadores en los bajos cuando preamplifican micrófonos de cinta. Aparte de esos preamps uso los de la Universal Audio Apollo: Neve, API y SSL por medio de la tecnología Unison, todos suenan muy bien.

6) ¡Fase, Fase, Fase!

Una vez se haga un line-check, se ajusten niveles y se asegure que cada canal suena bien por sí sólo, es hora de que suenen bien en conjunto. Tener una buena relación de fase desde el principio es indispensable para evitar dolores de cabeza más adelante; por un lado, logramos un mejor sonido, más lleno y con impacto; por otro, evitamos que más adelante, por ajustar el nivel de un ambiente, se nos pierda el bombo o desaparezcan los toms.

Lo que yo siempre hago es crear un auxiliar con compresión paralela. Allí mando todos los tambores y los comprimo fuerte con un buen compresor. Eso me permite oír mejor el sustain y el cuerpo de cada tambor.

Baterista, redoblante por favor. Oigo el Snare top, añado el Snare bottom. Inmediatamente es evidente que debo invertir la polaridad en alguno de los dos. Siempre prefiero invertir el top, luego que éste es el que recibe la porción negativa del ciclo (el parche alejándose del mic). Listo, el redo ya suena gordo. Siguiente: abro Overheads. Entre esos 4 canales está el punch del redoblante. ¿No? Probemos invirtiendo ambos overheads. Alguna de las dos opciones debe sonar mejor. ¿Todavía se pierde algo de punch? La solución puede ser modificar 10 ó 15 centímetros para arriba o para abajo la altura de las bases de los overheads. De nuevo, experimentar hasta que el redoblante suene pleno.

Baterista, toms por favor. Ahora los toms contra los overheads. La fase de los overheads no la voy a mover porque está perfecta con el redoblante, así que a probar la fase en cada tom hasta que suenen bien contra los overheads.

Baterista, kick. Idealmente queremos que el kick inicie con la parte positiva del ciclo (sin invertir) para sentir el golpe con los parlantes empujando el aire, pero lo escucharemos junto con overheads. Si definitivamente pierde punch cuando abro overheads, tenemos dos opciones: invertir el kick o empezar a cortarle frecuencias bajas a los overheads. Un High Pass Filter en 100 o 120 Hz nos da un indicio. De nuevo fase al kick. Prueba y error hasta que nos guste el kick.

Baterista, un poco de todo por favor. Con tambores y overheads sonando bien, es hora de oír cómo suenan los ambientes. Invertir hasta que interactúen bien y le aporten al sonido de la batería, en vez de restarle. Aquí también, de ser necesario, podemos usar filtros, HPF y/o LPF para quedarnos con lo que nos gusta, sin robarle definición los tambores.

7) Cue-Mix

Lo que oye el baterista en sus audífonos tiene un efecto enorme en cómo toca.

+ ¡Latencia! - Nada más desconcertante para cualquier músico, pero sobre todo para el responsable del ritmo, que oír latencia en los audífonos. A poner a prueba el computador: ¿32 samples? ¿64? ¿Plugins? Ojalá poquitos y sin latencia.

+ Metrónomo – A todo baterista le gusta el click. Duro. Pero hay dos cosas que no queremos; pérdida de la audición y el sonido de “marimba 1” en los overheads al final de la canción, cuando hay sólo unos platillitos. In-ears son una gran opción.

+ Kick – Además de un poco de batería en los audífonos (o bastante, según el baterista), una dosis adicional de bombo da una sensación muy agradable y ayuda a ser más sólido con el pie derecho.

+ Pista – He tenido la oportunidad de grabar bateristas que sólo me piden click. ¡Nada más! Aún en canciones largas, complejas y con cambios de métrica. Por más admirable que sea ese nivel de concentración, creo que es fundamental que el baterista tenga una pista, así sea sólo voz y guitarra, para sentir mejor la música y tomar mejores decisiones de arreglos, dinámicas, etc. en contexto. Obviamente la pista debe estar perfectamente alineada con el metrónomo, incluso ¡cuantizada! No importa si no suena bonito, es provisional.

8) EQ y/o compresión

Si el sonido crudo de la batería es bueno, no hay motivo para tenerle miedo a comprimir y/o ecualizar de entrada al DAW para hacerlo aún mejor.

Especialmente cuando sé que seré yo quien termine mezclando el material, imprimo algunos efectos desde la consola de mi Apollo: boost+cut en un Pultec al bombo, uno que otro corte a los overheads, compresión a los rooms, etc. Si hay hardware, no hay mejor momento para usarlo, por supuesto antes de la primera conversión a digital.

Plugins en el DAW (con cero o muy poca latencia) también uso bastante. HPFs, donde se necesiten, compresión, de pronto algo de reverb, etc. Cualquier elemento que haga sonar mejor la batería, que sea rápido de configurar y que no produzca latencia.

Notas finales

En resumen, la meta es que la batería suene increíble desde la grabación. No hay excusas. Creo que no es sano tener que estar imaginando lo bien que sonará en la mezcla, ni justificándose con la banda el por qué todavía no suena bien.

Los beneficios son muchos. Los músicos van a disfrutar más el proceso de grabación, el trabajo en mezcla será más rápido y entretenido, se tomarán decisiones más acertadas cuando se graben los demás instrumentos porque el sonido de la batería no va a cambiar drásticamente más adelante.

En conclusión, a exigirnos mejores grabaciones de batería, a experimentar y, sobre todo, ¡seguir aprendiendo!